最近放大了些胡同的120底片, 照片尺寸不大, 不过制作还算认真. 暖调纸基纸, 两次定影, 水洗器中水洗90分钟.

前一段时候用的都是Forte的暖调纸, 非常喜欢, 刚好是我感觉胡同应有的调子. 不过考虑到Forte厂家规模比较小, 以后会有停产的可能, 而且新一批纸在生产工艺上已经有了一些变化, 我便换成大厂家Ilford的暖调纸. 熟悉一种相纸和熟悉一个人一样需要比较长的时间, 一换就需要重新来过, 如果能找到合适的一直用下去是再好不过. 现在生活中太多不安定因素, 想一成不变才是不易.

WMP播放的是<<Knockin' On Heaven's Door>>. 原唱是我最喜欢的Bob Dylan,  翻唱版本里比较有名的 Eric Clapton 和不太成功的GNR. 这个版本是Avril Lavigne, 新时代的年轻人唱这一首背景沉重的歌.

摄影: 拍摄的次数不够多, 专题进展没有期望的顺利, 照片没有期望的进步.全部否定似乎不太公平, 也许至少可以说我感觉方向是对的.

工作: 没有变化, 做我必需要做的, 挣这份钱很重要.

生活: 似乎要再次印证, 我生命中每三四年便要出现重大变化. 我没有和别人说自己私生活的习惯, 觉得别人没有必要知道我的苦恼, 所以06年发生的太多事情还是留给我自己.

借用美国作家Arthur Miller的一句话: “Maybe all one can do is hope to end up with the right regrets.” 

图片是03年在库布其徒步时拍的.

WMP播放的是<<A Long December>> - Counting Crows

这张图片是Jennifer Baichwal拍摄的纪录片<<Manufactured Landscape>> (人造景观)的封面, 她跟随拍摄了Edward Burtynsky在中国的几个摄影专题. 我想里面必然有许多可以学习的东西, 不知哪能找到这部片子?

在艺术书店打折的时候我买了本摄影师Edward Burtynsky名为<<中国>>的画册. 画册中100多幅彩色照片从摄影技术的控制来讲几乎是无可挑剔的. 不论是色彩, 影调, 景深, 构图, 对变形的控制等各个方面都可以用精准来形容. 我也在使用大画幅相机, 看到如此高水平的照片感到由衷钦佩, 并意识到在拍摄技术上所存在的相当大的差距. 技术可以通过认真的态度和熟练的操作来提高, 那么在技术以外, 照片中体现的冷静, 客观的记录风格更值得我们学习. 记录的方式, 角度, 心态, 意识和深度取决于记录者的综合素质和对被记录对象的理解. 这些摄影以外的因素, 也许才是提高拍摄记录水平的瓶颈?

说是记录, 我要记录些什么?

Edward Burtynsky 的网站

WMP播放的是 <<Trees>> - Pulp

可以不看<<夜宴>>, 不能不看<<东京审判>>, 它也许算不上一部特别优秀的电影, 但它的内容我们应该感受并铭记.

面对国家民族曾经受的苦难, 没得到应有赔偿的苦难, 试图被日本政府掩盖的苦难, 我们决不能做一个见忘的人.

WMP里播放的是<<大刀向鬼子们的头上砍去>>

一首 Tom Petty 的老歌, 来自 Full Moon Fever 专辑.

歌词大意: 在这一切开始之前, 在另一个地方, 另一个城市, 你只是走在街上人群中的一张脸. 然后你从梦中走来, 天上掉下, 来到我的生命, 我的心中.....

Before all of this ever went down
In another place, another town,
You were just a face in the crowd
Out in the street walking around

A face in the crowd

Out of a dream, out of the sky
Into my heart, into my life
And you were just a face in the crowd
Out in the street, thinking out loud

A face in the crowd

 (崔健: CJ)

7月15日晚8:30, CJ在地坛南门星光现场音乐厅准时登场. 演出所用乐器均为不插电便可演奏的乐器, 当然为了扩音还是使用了电子音响, 玩了一场曾经在90年代十分流行的不插电(unplugged)音乐会.

作为CJ的歌迷, 曾经在不同的城市听过CJ的大小演出, 其中有些夜晚是永远难忘的. 02年CJ在纽约, 有些和CJ同年龄段的歌迷打出标语: “当年的‘花房姑娘’变成了如今的花房老太婆.” 感叹岁月流逝. 我记得当时CJ笑着回应: “你们都老了, 我还没有!” 就是这样不服老的CJ, 20年后还站在舞台上, 唱着, 跳着, 依然感动着我们. 在国内单薄的流行乐坛, CJ对音乐的坚持是值得人尊敬的.

拿着价格不便宜的门票, 在入场的时候被工作人员告知演出不允许拍照, 带来的相机必须寄存才能入场. 对于我来说, 拍照就是听现场音乐的一部分, 从纽约到北京再到沈阳, 我都留下了CJ演出的影像记忆. 这次不能拍照, 手都不知道放哪, 耿耿于怀, 歌也没听痛快…

郁闷归郁闷, 不能拍照的演出…音乐还是好音乐.

 

崔健  <<这儿的空间>>

这儿的空间 没什么新鲜

就象我对你的爱情里没什么秘密

我看着你 曾经看不到底

谁知进进出出才明白是无边的空虚

就象这儿的空间里

 

 连续两晚的梦, 醒来都记得. 在第一个梦里我坐在一位朋友开的车上, 在北京繁忙的路上频频换线, 车速快得已经让人感到不安. 我提醒朋友没必要开这么快, 欲速则不达. 在现实中我这位朋友是从不开车的, 按弗洛伊得的理论, 也许可以解释为我对我自己急迫情绪的认识与批评. 第二个梦十分直白, 我重新回到了某一张”问题底片”的拍摄地点, 拍摄了同一副照片, 这次完全按照我的要求, 没有出现任何意外.

最近是有点着急了, 从冲洗出的底片上能够看出一些问题, 总是感觉差那么一点, 而那一点则决定了成功或失败. 还有几张底片, 拍摄时光线, 感觉都比较到位, 冲洗时却出现了意想不到的问题, 因而前功尽弃. 感觉每一次收获, 都必须建立在失败的经验和双倍的付出之上.

冷静的心态是记录性质拍摄的前提, 然后是敏锐的观察. 不能太兴奋, 也不能机械化. 这也就是我认为生活的最佳状态, 内心平静, 处事平静.

家庭, 工作和摄影好象三支苹果, 用双手交替将它们抛起然后顺利接住, 如此反复, 一个都不能掉.

 

 衫本博思的第一次大型回顾展在美国华盛顿的HIRSHHORN博物馆展出(2006.2.16 – 5.14), 我非常幸运的赶上了一个尾巴. 此次展览展出的大约120幅照片, 来自他近三十年的创作中8个大专题的精华.

 

回顾一下衫本博思的几个摄影专题:

 

1.  Dioramas (透视画):　摄于美国华盛顿的自然博物馆的人工仿真展厅, 专题拍摄时间1975-1999

 

2. Theaters (剧院, 露天电影院): 摄于美国各地, 专题拍摄时间 1975-2001.

 

3. Seascapes (海景): 世界各地, 专题拍摄时间1980-2002.

 

4. Chamber of Horrors (恐怖室): 摄于英国伦敦的杜莎夫人蜡像馆, 专题拍摄时间1994-1999, 未在此次展览展出.

 

5. Sea of Buddha (佛海): 摄于日本京都, Sanjusangen-do寺，Hall of Thirty-Three Bays(三十三间堂), 摄于1995年.

 

6. Architecture (建筑)：世界各地的标志性现代建筑，专题拍摄时间1997-2002.

 

7. In Praise of Shadow (对暗影的赞美): 用相机记录蜡烛燃烧的整个过程, 拍摄于1998, 未在此次展览展出.

 

8. Portraits (肖像): 摄于英国伦敦的杜莎夫人蜡像馆, 摄于1999．

 

9. Pine Trees (松树): 向日本画家Hasegawa Tohaku (長谷川等伯 1539-1610) 的原作Shotozu <松林图屏风>致敬, 用六张图片拼成的屏风, 149x716cm, 未在此次展览展出.

 

10. Conceptual Forms (概念形体): 拍摄的模型是19世纪末20世纪初德国人根据数学公式制作出来的教具, 现存于东京大学. 拍摄于2004.

 

11. Colors of Shadow (影子的颜色): 这个彩色系列摄于衫本博思在东京山上的公寓, 拍摄白色墙体在不同时间, 角度的光线变化, 专题拍摄时间2004-2005.

 

衫本博思在Hirshhorn博物馆展览的观看感受:

 

1. 尺寸和装裱: 除去<Color of Shadow>整个系列用的是彩色照片, 其余以黑白照片为主, 主要有两种尺寸, 一是约为16x21英寸的黑白照片以传统方式加卡纸外包黑框装裱. 我注意到在画面下边和卡纸之间的缝隙用钢印标注了名称(拍摄地点), 日期和限量数(如 7/25). 另一种是约1.1x1.5米的大幅黑白照片, 装裱在一种我从未见过的非金属质地, 约1.5厘米厚的板材上, 外装黑色或银灰色金属框, 照片和玻璃间并不接触, 有大约0.5厘米的空隙, 避免了照片和玻璃接触后可能带来的损伤. 不知是否用了特殊的画框玻璃, 反光极少, 观看效果很好. 我仔细注意了大幅照片的平整度, 没看到任何突起或折痕.

 

2. 照片质量: 衫本博思是一个重要的”现代艺术家”, 如果一定要划为摄影师也是属于”观念摄影”一类. 观念摄影容易给我的误解是制作技术上不一定追求完美, 只要表达了某种新鲜的观念, 对于细节处理并不一定要求很严格. 可是衫本博思的照片却展现了第一流的制作水平, 他的黑白照片虽然没有我见到过最漂亮的影调(个人标准), 但表现出精湛的细节, 严谨的控制和绝对的统一性. 他的黑白照片中高光部分并未给我留下深刻印象, 除剧院系列中过嚗的银幕之外, 高光控制很准确, 细节非常丰富. 但高光给我的感觉是没有放开受到压制的, 没有我们通常用来形容美妙高光的那种 “丝绸”般感觉. 让我特别注意的是黑白照片中层次分明的暗部和过渡十分自然的灰色中间调. 尤其是暗部, 黑得稳重踏实很耐看.

 

3. 展览形式: 展览占据了Hirshhorn博物馆二层的绝大部分, 展厅内灯光普遍较暗, 只有照片得到良好的照明. 展览中大部分专题根据系列顺序分部于不同的独立展厅, 大部分照片采用的是传统的装框悬挂于墙上的展览方式, 但其中<佛海>和<海景>两个系列的展示是下了功夫的, 加强了观看体验. 在<佛海> (Sea of Budda) 系列中, 将37幅未装框的照片连成一排, 中间不留缝隙. 有点象水底海洋馆的那种超长幅视窗效果, 加上周围比较暗的环境, 气氛肃静, 犹如步入宗教殿堂. 这个系列的展示可以看做一件装置作品(Installation). 随后的<海景> (Seascape) 系列是整个回顾展的高潮, 充分利用Hirshhorn博物馆的环形建筑特点, 整个独立展厅呈扇形, 至少有350平米大小. 据说为获得这个巨大的展厅面积, 拆掉了三面隔断墙,  1.1x1.5米的巨幅照片悬挂在一面弧形墙上, 每一幅照片都由悬挂于数米高的射灯照明, 照片以外是很黑暗的, 使照片产生了特别的视窗效果. 我去参观的时候展厅内人数非常少, 在没有干扰的情况下, 安静得能听到照片”说话”.

 

作为一个摄影师, 衫本博思最与众不同之处在于他拍摄的是他内在的景象, 他对摄影和生命的思考过程和结果. 而大部分摄影师, 特别是纪实摄影师拍摄的是外界的景象. 前者的拍摄是经过仔细计算与安排的结果, 后者则需要一定的外界的运气和数量的积累.

 

我觉得艺术品都要经历至少50年到100年的时间, 拉开来一段距离, 来检验它的”含金量”, 是否能够长久的被人欣赏 . 尤其对于观念性比较强的照片, 我觉得只有相隔一段较长的时间才能确定它的价值. 衫本博思的照片今后在摄影史里占据一个什么样的位置现在不好确定, 但他作品所展示出的第一流的制作水准, 给每一位认真的摄影师竖了一个标尺.

 

 

非永久性展览不允许拍照, 我用小DC扫了几张即被制止, 所以没有更多的展览现场图片.

 

推荐由Hirshhorn Museum 出版的名为<Hiroshi Sugimoto>的画册, 三十年作品回顾. 分精简装两种版本, 印刷质量很好, 不过仍然和原片存在一定差距.

 

可以在Hirshhorn的网站上下载有关衫本博思的音频, 包括访谈和影展介绍(英文). http://www.hirshhorn.si.edu/sugimoto/

 

 

 

回国后最怀念纽约的两样东西，现场音乐和博物馆．这次五一的短暂旅行只能在纽约停留半天, 时间宝贵只有去看一个大博物馆，由于上次来看了MET，这次就去MOMA (Museum of Modern Art)．　

 

MOMA新装修后第一次来，票价20USD，约和160RMB一张．虽然对于它十分优秀的馆藏是值得的，但是欣赏艺术的门槛还是降得越低越好，这个价格稍贵了．

 

摄影部的专题展是John Szarkowski的黑白照片，这人曾是MOMA的摄影部主任(1962-1991)，很多我非常尊敬的美国摄影师都由他策过展，好比 Lee Friedlander 和 Diane Arbus. 这人的眼光肯定是绝顶好的,不过他拍的照片虽然制作精良，但没给我留下特别深刻的印象．毕竟John Szarkowski对摄影的贡献是作为一个策展人而不是一个摄影师．

 

在摄影部的其它展厅中看到了多幅摄影史上的重要作品，给我留下印象最深的是，我最尊敬的美国摄影师 Walker Evans的一幅＜A Graveyard and Steel Mill in Bethlehem＞．两年前在MET也看过他的一幅照片，都是8x10原底大小，怀疑为印样，制作十分精良．同样用810，我正用着与Ｗalker Evans在1930年代近似的纪录拍摄方式．纪录的方式很大程度取决于对待被摄体的态度，对于摄影纪录性质的理解．Walker Evans和他的原创影像化做巨大的影子, 投向后来的摄影师.

 

还看到一幅Diane Arbus的人像，像片中高光部分已经发黄，说明照片在制作或保存过程中出了问题．听说 Diane Arbus生前亲自制作的照片数量很少，也许这张就是其中一，即使不符合用来收藏的苛刻标准，但仍然十分有价值．　

 

摄影展区只是一小部分，其它展厅有大量大师级近代画家，雕塑家的重要作品．Van Gogh, Cezanne, Picasso, Matisse, Miro, 太多了．．．没时间细看．．．

 

纽约为什么离北京这么远?

 

在MOMA的网站上可以看到一部分馆藏精品．　www.moma.org

 

(图片都是用小DC拍的,日记性质, 画面有变形和其它技术缺陷.)